Sobre estética

La estética, cómo ciencia especulativa, es personal y subjetiva… pero siempre se ha de tener en cuenta, que a partir de ella actuamos de una u otra manera… a partir de ella vemos el mundo con luz o con oscuridad, a partir de ella, nos sensibilizamos de una manera u otra con el mundo que nos rodea…

La estética empezó tratando de la belleza en las obras de arte y la naturaleza… a partir de Kant, dentro de esta ciencia, se empezó a pensar en lo sublime… que se aleja del concepto de belleza. Lo sublime abarca sentimientos negativos o contraproducentes que puede generar una obra o un paisaje o efecto natural.

La estética a partir de entonces, ha permitido al artista, trabajar  desde sus propios demonios… el arte terapia ha tenido verdadero sentido, el creador se siente libre de dejar ir la suciedad y oscuridad que le convenga o apetezca.

Inducido por las vanguardias del siglo XX, el arte ha cogido un tono autosuficiente espiritualmente. El arte, ya no necesita transmitir algo en concreto… hay un diálogo libre entre la obra y el espectador… no hay motivos o fines en el arte… el arte piensa y repiensa la estética desde y por la estética. Pero aunque parezca una paradoja, es la época en la que el arte es más político… muestra su disconformidad con la estética que rige… muestra su desconformidad con la política, desde lo apolítico o directamente, desde el resurgir de la no política.

Adorno, dijo que después de las grandes guerras del siglo XX ya no tenía espacio ni sentido la poesía…

La poesía es una espada punzante, un misil destructor… es el motivo por el que está tan arrinconada y es tan poco comercial… todas las artes en sus composiciones, se basan en el espíritu poético… y su estética, muchas veces incomprensible para la masa en general, está limitada por la censura solapada por los supuestos gustos autónomos de la gran masa de población… la censura impuesta por modas y medios de comunicación, universidades y economistas, impide el éxito de lo fuera de lo establecido, de una estética destructora del stablishment, ya sea cultural o social, o cultural y social…

Bajo la moral y la política de la amoral y de la apolítica, el arte va avanzando… los mayores estetas, han explicado sus puntos de vista sobre el mundo y la humanidad a través de su arte.

En el sentido estricto del término, eso ya es hacer política y tomar una postura moral… lo que ocurre, es que esos grandes estetas, no se enfocan en hechos políticos concretos, su trabajo se basa en lo universal… en lo problemas humanos desde la perspectiva común… para los activistas es una pérdida de tiempo… ellos van al campo de acción y allí trabajan con individuos de nuestra especie.

Los artistas, al fin y al cabo han de ser intelectuales… y toda esa espiritualidad que les desborda, la deben enfocar en la globalidad… el conocimiento debe ser holístico… y como tal, para saber las circunstancias de una situación personal (la del artista), o global, han de mirar la totalidad de la cuestión, es la única manera de entender el problema desde su profundidad… muchas veces los grandes problemas de la humanidad provienen de unos valores estéticos erróneos, de una espiritualidad estética poco trabajada, que hace que algo o alguien no guste por estar el espectador poco trabajado estéticamente… la sensibilidad es el término con el que denominaremos la espiritualidad estética trabajada.

 

Los trabajos artísticos están compuestos por forma y por contenido. Hay creadores que le dan mucha más importancia a la forma, otros al contenido… los que les dan más importancia al contenido pueden pecar de ser demasiado documentalistas… los que le dan más importancia a  la forma, pueden acabar no expresando nada, o que el público no comprenda sus obras. La forma y el contenido han de estar en armonía, formar un todo, interesante y sorprendente. Las innovaciones y revoluciones artísticas, han sido propiciadas por cambios radicales en la forma de las obras… el contenido además puede ayudar a que la obra sea explosiva, provocadora y amoral… pero su forma es el gran cambio… siempre ha habido pornografía y violencia… las obras que sorprenden por su carácter agresivo en el contenido, son réplicas del pasado… el cambio en la forma de la obra, es lo que realmente pueda ser incomprensible para el gran público, es lo que marca la revolución estética temporal…

El arte ha de ser expresión… la explicación del mundo sin una explicación sentimental y subjetiva, es extemporánea… la expresión la conforman tanto la forma como el contenido de la obra… realmente, cualquier contenido puede resultar interesante, si su forma al componer la obra es atractiva… la forma bajo mi punto de vista, tiene mayor importancia que el contenido a la hora de la calidad de una obra de arte… este argumento nos lleva a pensar que si la forma es lo elemental, la moralidad también pierde importancia… las ideas morales en una obra de arte, están muchas veces más en el contenido que en la forma de la obra. Si la moral está en la forma, la obra pasará una peligrosa censura impuesta por el mismo artista… la forma ha de ser libre, realizarla a partir de la parte irracional del artista…

La estética pasa una crisis… se ha de inventar nuevos conceptos para estudiar las obras contemporáneas. Los conceptos utilizados hasta ahora son históricos… y con ellos se ha intentado pensar el sentir del espectador ante las obras de arte contemporáneas…

Resulta paradójico cuando los lenguajes de expresión son nuevos… que no se creen nuevas formas de análisis… ¿quizás las obras ya no se pueden explicar lógicamente?, ¿la única forma de explicación es con otra creación, con el mismo método con el que ha sido creada la obra.?, ¿quizás el crítico que intenta dar una opinión objetiva sobre una obra, ya no la puede dar?, la opinión ha de ser siempre subjetiva y creativa… proveniente de la parte irracional que ha emocionado al crítico al ver la obra… se ha de explicar una obra de arte a partir de otra obra de arte… con otras herramientas de trabajo, pero con el mismo método compositivo…

Cuándo la forma de una obra no se comprende emocionalmente, mejor no opinar sobre la obra… quizás el espectador en cuestión, no está preparado para analizar emocionalmente lo que le provoca la obra… otra cosa sería que la obra se comprenda pero no guste,  por ser una forma contemplada anteriormente, o porque el contenido deja mucho que desear, entonces se debe explicar porque no te parece atractiva la obra… pero siempre desde la creatividad… pero aquí el análisis y los motivos por los que no gusta la obra, son racionales. No explicas tus emociones, si no el motivo de tus emociones… quizás, esta forma de analizar no sea desde la estética, sino desde la moral… quizás juzgar una obra de arte, renunciando a la propia moral, sea una misión complicada, después de siglos de moralidad acérrima… cuánto bien, y al mismo tiempo, cuánto mal nos produce nuestro subconsciente.

La sensibilidad por el arte, en parte es innato, pero también se puede cultivar… los grandes estetas, tienen espíritu libertario, en el sentido de que están abiertos a cualquier muestra de creatividad, y tienen criterio suficiente para dar una opinión objetiva sobre las impresiones recibidas de las obras estudiadas…

La práctica artística, se estudia mediante la experimentación, la práctica debe ser continuada. El artista, mediante su trabajo, muestra su parte más profunda… el subconsciente tiene una gran importancia para que el acto creativo sea interesante, y que la obra sea personal, por la tanto única.

Cómo contestó Rilke al joven poeta, el poeta es aquél que no puede prescindir de escribir poesía, más allá del reconocimiento externo… el artista verdadero es obsesivo por su trabajo, es dependiente de la experiencia creativa, mediante la que llega a su propio ser. Durante el acto creativo, el artista, consigue tal grado de concentración que no siente el cuerpo… todo él es espíritu, es el motivo por el que conecta con su propio ser.

Afirmar que una obre es arte de calidad y otra no, es completamente subjetivo… las obras son, han sido objetivadas por el artista desde su subjetividad… una vez que se desprende de la obra, que la objetiva, esta queda libre, y las consecuencias de su repercusión son incontrolables para todos, incluso para su creador.

La sensibilidad a la hora de objetivar lo subjetivo, es el valor que tiene el artista como ente creador… hay personas que viven más intensamente que  otras en el plano emocional… las personas emocionalmente extremas, pueden ofrecer obras arriesgadas, radicales, pero no quiere decir que sean de mayor sensibilidad que las personas creativas que controlan sus emociones… quizás las controlan porque las dejan escapar en la obra creada…

 

No he encontrado conceptos exactos para describir estéticamente el arte contemporáneo… la exactitud no existe… y  actualmente hay tantos artes como sensibilidades… ya es hora de acabar con los ismos… antiguamente o eras realista,  impresionista o expresionista, entre otras categorías inventadas… actualmente formar parte de una corriente artística debería ser contraproducente para el artista, que debe ser individual, y realizar un trabajo personal y subjetivo.

Las épocas cambian… antes todo artista quería participar de un grupo creativo. Y eran estudiados por los críticos como grupo artístico… la individualidad puede salvar el arte… es más en la época actual no tiene sentido otra forma de trabajar… los espectadores, deberían querer conocer espíritus individuales, sensibilidades únicas… que son las únicas que pueden hacer avanzar y persistir el arte y la cultura.

Hay un concepto que puede acompañar tanto a las obras como al creador de dichas obras, desgarro… el arte contemporáneo se ha caracterizado porque el artista quiere desnudarse ante el público… muestra su sensibilidad, sus miedos, sus paranoias mucho más claramente que antiguamente… a este proceso creativo le llamaremos desgarro.

Mostrar las intimidades espirituales en el arte contemporáneo es una práctica radical… es este el motivo por el que es menos accesible para el gran público… el interior de una persona es complejo, el de un artista seguramente lo es más…

Mediante el desgarro que se produce en el artista, y que este transmite a su obra, surgen trabajos personales, subjetivos e individuales… y con toda seguridad, los sentimientos que produce en el espectador son únicos, personales e intransferibles… con una buena obra de este tipo, el espectador predispuesto sufre también del desgarro que se ha producido en el autor y que ha transmitido a la obra…

Un autor muy prolífico, mediante los continuos desgarros que sufre al trabajar, le puede llevar a la ataraxia… mediante el desgarro, se dejan ir los demonios personales a la obra… y el espectador los puede captar y hacerlos, de alguna manera, suyos…

Mediante el desgarro, el artista se puede llegar a sanar emocionalmente… es una práctica terapéutica muy común, utilizada por el artista contemporáneo, aunque lo practique sin darse cuenta de la magnitud de la acción.

Por lo tanto el concepto artístico, abarca desde el autor de las obras, al espectador, pasando por las obras mismas. El espectador es el que puede describir el concepto, al percibir la sensibilidad y el espíritu de la obra… pero el artista es el que lo produce, sacado directamente de sus sentimientos y sentidos.

La historia del arte, ha sido una historia de censuras y de falta de libertad hacia el artista. Es el motivo por el que los artistas no pudieron expresarse de una forma tan personal y particular como han sido capaces de hacerlo en la contemporaneidad.

Los artistas del pasado, estaban cuartados a la hora de sufrir el desgarro a la hora de producir sus obras… lo que no quiere decir que en algunos casos no lo lograran hacer.

La filosofía, según Deleuze, se basa en crear nuevos conceptos… estos han de ir acordes con su época, su sensibilidad, y problemática…

En que se basa el arte contemporáneo… el más comercial, en el caso del cine es sensacionalista… el cine más de autor suele ser o impresionista o expresionista… diremos que un cine es impresionista cuando es costumbrista, sin dejar de lado la personalidad del autor. Diremos que es expresionista cuando el autor de la peli expresa sus sentimientos y sensaciones, gana en abstracción…

En cambio la plástica, con muchos más años de historia, ha pasado a ser un arte, sumamente subjetivo y hasta cierto punto incomprensible para el espectador…

En la plástica, el autor se desnuda hasta tal punto, que su visión de la realidad y de las cosas solo las ve él… por eso es tan difícil de comprender.

Cada arte tiene su historia y está en su momento, aunque se relacionen admirablemente unas disciplinas con las otras… es más, las influencias en los trabajos de las diferentes disciplinas, son a veces de otras disciplinas…

El acto creativo, tienen unas formas de ser… y  esas mismas formas se utilizan en todas las disciplinas artísticas… es el motivo por el que influyan unas disciplinas en las otras.

La poesía es un todo, su espíritu da espíritu al arte, se funcionamiento, alienta a las otras disciplinas… sin la poesía se acabaría todo arte, que se basa en ella…

Las tendencias de las modas, influyen en el arte…, es más, los que crean las modas son verdaderos artistas y creadores…

Los artistas, intentan caminar contra las modas, pero estas les influyen… incluso la negación de algo vivifica ese algo… la inmoralidad se basa en la moral, etc… no hay negación que no parta de lo negado… el arte contemporáneo no parte de las modas… pero sabe hacia qué no se ha de acercar… pero aun así… el mismo arte contemporáneo, va creando escuelas… que dentro de su ámbito se convierten en modas… la diferencia entre artistas, diseñadores, artesanos, son pocas… todos son creadores… y para crear  siempre hay algo en común y es la imaginación…

El arte, ha pasado de ser algo trascendental para la actualidad, a ser un pasatiempo… una distracción de los grandes problemas que genera la vida… es como darse un respiro y disfrutar como espectador, alienado, de unos minutos que generan las obras.

Muchos artistas, querían quitarle al arte su función de espectáculo… querían que el arte fuese para elevar el espíritu, para ser crítico con el mundo y con uno mismo… hay espectadores que logran sacar esos sentidos de las obras… pero para la mayoría es un simple espectáculo, un pasatiempo, al que se le dedica unas horas semanales, para alienarse de uno mismo y del mundo…

El arte, para los artistas es algo trascendental… porque sacan sus miedos, sus ilusiones, sus paranoias, su sensibilidad en las obras… pero no pueden pretender, que para todo el que las observe como espectador, sean de la misma trascendencia.

 

La forma de una obra de arte, la da su espíritu y su sensibilidad… el contenido le da lógica y dialéctica… el contenido puede ser más racional que la forma… en todo caso el contenido surge de lo que percibimos de la realidad, para luego expresarlo… la forma, bajo nuestro punto de vista, surge de la sensibilidad del autor… seguro que el autor se ha inspirado en otras formas… pero la forma suele ser más una visión que una reflexión…

El arte proviene de los sentidos del artista… sus sentidos, cuando capta el mundo, hacen que su espíritu esté en un determinado estado… los sentidos y los sentimientos están íntimamente relacionados…  los sentidos captan el mundo y sus circunstancias, en ese momento su generan unos ciertos sentimientos personales e intransferibles en el sujeto.

Los sentimientos son lo que expresa el artista en su arte… pueden ser sentimientos, tanto positivos como negativos… pero no son  compartibles, son únicos e incognoscibles para los otros… pero eso el espectador de una obra de arte, capta la obra a su manera y le proporciona unos sentimientos particulares… el espectador nunca tendrá certeza de lo que sentía el artista al crear la obra. Por eso existen tantas interpretaciones como espectadores de una obra de arte… o debería haberlas, lo que ocurre es que la mayoría de la gente no tiene un criterio propio. Para adquirir criterio propio en el mundo del arte se ha de consumir mucho arte… al final es un mercado, y dependiendo de lo que consumas de su mercado, adquirirás un criterio propio, o por lo menos, una percepción propia de la obra consumida. Cuando se adquiere esa autonomía de pareceres ante las obras de arte, normalmente también se adquiere autonomía en la percepción del mundo. Lo mismo ocurre al contrario, cuando se adquiere autonomía en la percepción del mundo, también se adquiere en la percepción de las obra de arte… al fin y al cabo, el arte consiste en que un artista extraiga impresiones o expresiones particulares del mundo que nos rodea, perteneciendo ellos mismos al mundo, o sea estando presentes en las obras realizadas…

 

Cuándo el contenido, en una obra de arte, se desborda fuera de su forma, puede ser que se trate de simbolismo… lo que ocurre es que el contenido es tan potente que la forma es lo de menos… solo se percibe el contenido… el documentalismo funciona de esta manera… en las obras conceptuales, en algunos casos también ocurre… la diferencia reside, en que en las obras conceptuales, su forma adquiere una gran relevancia… sin una forma propia y potente, el arte conceptual pierde fuerza.

Las obras con un mensaje específico, también son documentalistas… el arte subjetivo e individual, tiene tantos mensajes como los que capten los espectadores.

La forma en las obras de arte subjetivas e individuales, cobran fuerza… como hemos explicado, el contenido se va repitiendo en la historia del arte, mientras que las formas en las obras suele ser lo innovador.

El arte contemporáneo, se ha de caracterizar por tener una forma nueva, subversiva y que haga temblar los cimientos de la sensibilidad general y popular.

Todas las disciplinas artísticas, deben fortalecerse en la forma de sus obras… aunque cada disciplina difiere… la arquitectura es la más funcional, y aparte de poder ser innovador, la obra ha de tener una funcionalidad real…en cambio la música o la poesía, no son artes funcionales, y toda su fuerza reside en el espíritu de la obra… en su forma y contenido, en su conexión con al mundo, no siendo nunca extemporánea.

El arte ha de ser una explicación y análisis subjetivo de la época en que fue creada cada obra determinada…

 

 

El arte contemporáneo, a pesar de su amoralidad, y de su apolítica,  es un arte moral y político, precisamente por esa vertiente contestataria, nihilista y no partidista, el quedarse al margen  tomar partido… esto no me gusta, el mundo no va bien, nosotros como escépticos nos mantenemos al margen…

La estética pura, es la mayor forma de educación para la población… hace que se rompan ideas preconcebidas de lo que debe ser arte, de si el arte debe ser bonito, de si estas obras son realmente obras de arte… una población que acepte las nuevas propuestas estéticas, o al menos que intente explicarse el porqué de las obras, introduce al arte en la política y en la moral.

Aquí está el quid de la cuestión… la moralidad y la política en el arte ha de ser causado por la relación entre la obra y el espectador.

Artaud, con todo su nihilismo y radicalidad era profundamente político… cuando lo que quería era romper con el stablishment, con los espectáculos pasatiempos, que no producían pensamiento… y con las ideas preconcebidas.

El nihilismo, es una opción más que respetable, y más teniendo en cuenta la historia universal contemporánea… estamos en un mundo corrupto, dónde vale más el que más mira por él mismo… no hay casi gente que no ascienda socialmente sin  hundir al de al lado… el arte es y será una válvula de escape positiva, que nos haga replantearnos cosas y sentimientos desde la profundidad de la obra… una sensibilidad estética trabajada nos hará ver el mundo con nuestros propios ojos, y actuar a partir de ella…

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